Martwa natura to gatunek sztuki obejmujący tysiące lat, począwszy od rzeźbionych fresków i malunków martwej natury w wykonaniu anonimowych artystów w starożytnym Egipcie, po szesnastowiecznych artystów holenderskich, którzy uczynili z malarstwa martwej natury renomowaną formę sztuki, oraz XIX-wiecznych malarzy francuskich, którzy zapoczątkował ruch impresjonistyczny.
Martwa natura nadal jest popularną formą sztuki, która została wskrzeszona w latach pięćdziesiątych XX wieku przez takich artystów jak Andy Warhol, Roy Lichtenstein, a później przez Judy Chicago i Keitha Haringa.
Wybraliśmy niektóre z najbardziej znanych i wpływowych dzieł martwej natury od początków XVI w. do lat 60. XX w.
Co to jest martwa natura?
Tematami martwej natury mogą być zarówno świat przyrody, jak i przedmioty stworzone przez człowieka. Wiele popularnych przedmiotów widocznych na dziełach martwej natury to kwiaty, owoce, warzywa, ryby, bufety, wino i meble. Jednak prawie wszystko może być tematem martwej natury, a najlepsi artyści martwej natury znacznie różnią się pod względem tematów.
Znajomość popularnych twórców tego gatunku pomaga lepiej zrozumieć historię martwej natury.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Caravaggio był włoskim malarzem znanym z rewolucyjnego podejścia do sztuki. Jest znany ze swojego mistrzostwa w światłocieniu, technice, w której wykorzystywano dramatyczne kontrasty między światłem i cieniem, aby stworzyć wyjątkowy efekt wizualny. Dzieła Caravaggia często przedstawiały sceny religijne i charakteryzowały się intensywnym realizmem i intensywnością emocjonalną.
„Kosz z owocami” został namalowany około 1599 roku i wyróżnia się w twórczości Caravaggia jako jeden z nielicznych dzieł artysty przedstawiających wyłącznie martwą naturę.
Jednym z trików, które Caravaggio często stosował w swojej karierze, było trompe l'oeil. Na tym obrazie fotograficzny realizm oszukuje nasze oczy i mózg, myśląc, że owoce prawie wyskakują z płótna.
„Martwą naturą z owocami” Caravaggio zapoczątkował renesans martwej natury, chociaż na dobre rozpoczęcie ruchu miało miejsce nieco później.
Clara Peeters (1594-1657)
Peeters była flamandzką malarką baroku i jedną z niewielu znanych artystek swoich czasów. Specjalizowała się w malarstwie martwej natury, zwłaszcza w gatunku dzieł bankietowych. Dzieła Peeters były wysoko cenione za niezwykłą dbałość o szczegóły, delikatne ruchy pędzla i umiejętne przedstawienie przedmiotów, takich jak żywność, zastawa stołowa i przedmioty luksusowe.
Jednym z jej godnych uwagi dzieł jest „Martwa natura z serami, karczochem i wiśniami”. Namalowana z niezwykłą dbałością o szczegóły i precyzją kompozycja przedstawia półmisek serów z warzywami i owocami. Biegłość Peeters w uchwyceniu faktury karczocha, wyrazistego koloru wiśni oraz interakcji światła i cienia dodaje scenie głębi i realizmu.
Jacob Van Es (1596-1666)
Jacob van Es był holenderskim malarzem Złotego Wieku, znanym ze swoich obrazów martwych natur. Specjalizował się w gatunku „banketje”, który przedstawiał wystawne ekspozycje żywności, zastawy stołowej i przedmiotów luksusowych. Van Es miał duże umiejętności w uchwyceniu skomplikowanych szczegółów i tekstur, pokazując swoje mistrzostwo w świetle i cieniu.
Jednym z najsłynniejszych obrazów Jacoba van Esa jest „Śniadanie z ostrygami” (1645-50). To arcydzieło ukazuje jego wyjątkową umiejętność przedstawiania wystawnych scen bankietowych. Na obrazie Van Es skrupulatnie aranżuje szereg ekstrawaganckich przedmiotów, w tym luksusową zastawę stołową, egzotyczne ostrygi i ceniony w okresie renesansu cenny puchar Nautilus.
Pieter Claesz (1597-1661)
Claesz był holenderskim malarzem Złotego Wieku, znanym ze swoich obrazów w tematyce martwej natury. Uważany jest za jednego z mistrzów gatunku vanitas, który eksploruje tematy przemijania i ulotności życia. Na obrazach Claesza często pojawiały się starannie ułożone przedmioty, takie jak czaszki, klepsydry i więdnące kwiaty, symbolizujące nieuchronność śmierci i marność ziemskich dóbr.
Claesz przez całą swoją karierę stworzył wiele obrazów martwych natur vanitas. Martwa natura vanitas była popularnym gatunkiem w XVII wieku, który symbolicznie badał przemijającą naturę życia i nieuchronność śmierci. W kompozycjach tych często pojawiały się takie przedmioty jak czaszki, klepsydry, zgaszone świece i gnijące kwiaty, przypominające o ulotność ludzkiej egzystencji i daremności dóbr materialnych.
Na obrazie „Martwa natura vanitas” porozrzucane instrumenty muzyczne i rysunki symbolizują ulotność sztuki, a obecność czaszki i kości przywołują nieuniknioną rzeczywistość śmiertelności.
Obrazy Claesza są wysoko cenione za dbałość o szczegóły, mistrzowskie oddanie światła i faktury oraz zdolność prowokowania do kontemplacji nad krótkotrwałością życia.
Louise Moillon (1610–1696)
Louise Moillon była francuską malarką baroku, znaną ze swoich wyjątkowych obrazów w tematyce martwej natury. Była jedną z nielicznych artystek swoich czasów, które zdobyły uznanie i osiągnęły sukces. Obrazy Moillon często przedstawiały aranżacje owoców, warzyw i kwiatów, ukazując jej umiejętność uchwycenia ich tekstur i kolorów z niezwykłą precyzją.
Jednym z najsłynniejszych obrazów Louise Moillon jest „Martwa natura z koszem owoców i pęczkiem szparagów” (1630). W tej pracy umiejętnie układa w tkanym koszyku różnorodne owoce, w tym winogrona, gruszki i brzoskwinie. Owoce są przedstawione z niezwykłą szczegółowością, ukazując ich teksturę, kolor i dojrzałość.
Światło i cień dodają kompozycji głębi i realizmu. Obraz jest świadectwem jej mistrzostwa w malowaniu martwej natury, uchwycenia esencji obfitości i atrakcyjności zmysłowej.
Francisco Goya (1746-1828)
Francisco Goya był hiszpańskim malarzem i grafikiem, uważanym za jednego z najważniejszych artystów epoki romantyzmu. Twórczość Goi obejmowała różne gatunki, w tym portrety, malarstwo historyczne i komentarze społeczne. Jest znany z umiejętności ukazywania złożoności ludzkich emocji oraz wnikliwej obserwacji klimatu społecznego i politycznego swoich czasów.
Jednym z najsłynniejszych martwych natur Francisca Goi jest „Martwa natura ze złotym leszczem” z około 1808-12 roku. Kompozycja ukazuje zdolność Goi do uchwycenia wykwintnych szczegółów i tekstur przedmiotu. Centralnym punktem obrazu są leszcze złociste, umiejętnie przedstawione, dzięki błyszczącym łuskom i delikatnym płetwom.
Umiejętne wykorzystanie światła i cienia przez Goyę dodaje scenom głębi i realizmu, a jego mistrzostwo techniki tchnie życie w obiekty nieożywione, dzięki czemu „Martwa natura ze złotym leszczem” jest urzekającym świadectwem jego artystycznych umiejętności.
Sarah Miriam Peale (1800-1885)
Sarah Miriam Peale, urodzona w 1800 r. i zmarła w 1885 r., była amerykańską artystką znaną ze swojej wszechstronności w różnych gatunkach, w tym w malarstwie martwej natury. Chociaż zyskała uznanie przede wszystkim jako portrecistka, Peale pokazała także swój talent i umiejętności w przedstawianiu kompozycji martwej natury.
Jej obrazy w tematyce martwe natury często przedstawiały starannie zaaranżowane przedmioty, takie jak owoce, kwiaty i przedmioty codziennego użytku. W obrazach Peale wykazywała dużą dbałość o szczegóły i wrażliwe podejście do uchwycenia tekstur, kolorów i oświetlenia. Poprzez delikatną pracę pędzlem i finezję kompozycyjną Peale wniosła życie i witalność do swoich martwych natur, ukazując swoją wszechstronność artystyczną wykraczającą poza portret.
„Martwa natura z arbuzem” to martwa natura olejna na desce, stworzona przez Sarah Miriam Peale w 1822 roku.
Gustave Courbet (1819-1877)
Gustave Courbet był francuskim malarzem, który odegrał kluczową rolę w ruchu realistycznym. Znany ze swojej odważnej i często kontrowersyjnej postawy Courbet starał się przedstawiać życie codzienne, odrzucając wyidealizowane konwencje sztuki akademickiej. Jego prace często poruszały tematy społeczne i polityczne, oddając surową rzeczywistość swoich bohaterów. Nacisk Courbeta na prawdziwe przedstawianie zwykłych ludzi i krajobrazów zrewolucjonizował świat sztuki i utorował drogę modernizmowi.
Jednym z najsłynniejszych martwych natur Gustave’a Courbeta jest „Martwa natura z jabłkami i granatem” (1871-72). Ta mistrzowska kompozycja martwej natury ukazuje zdolność Courbeta do uchwycenia esencji naturalnych obiektów z niezwykłym realizmem. Kompozycja składa się z jabłek i granatu, każdy wykonany z niezwykłą szczegółowością i żywymi kolorami.
Gra światła i cienia dodaje kompozycji głębi i wymiaru. Skrupulatne pociągnięcie pędzlem i dbałość Courbeta o niuanse tekstury tchną życie w owoce, zachęcając widzów do docenienia ich walorów dotykowych. „Martwa natura z jabłkami i granatem” jest przykładem umiejętności Courbeta w przedstawianiu przedmiotów codziennego użytku z poczuciem zwiększonego realizmu i estetyki.
Paul Cézanne (1839-1906)
Paul Cezanne to prawdopodobnie jeden z najbardziej wpływowych artystów XIX wieku. Kiedy pojawił się ruch impresjonistyczny, chętnie dołączył do Pisaro, Renoira i Moneta tworząc niesamowite impresjonistyczne obrazy pejzażowe i portrety. Przez większą część lat 70. XIX wieku Cezanne trzymał się stylu impresjonistycznego, ale chociaż jego obrazy były wystawiane na wystawach obok innych artystów tego nurtu, twórczość Cezanne'a zawsze była czymś innym, nie do końca impresjonistycznym.
W „Martwej naturze z jabłkami i brzoskwiniami” Cézanne oddaje esencję świeżo zebranych owoców. Obraz urzeczywistnia przekonanie Cézanne’a, że owoce „uwielbiają, gdy robi się im portrety” i opowiada historie poprzez ich zapach i pochodzenie.
Twórczość Cezanne’a przez większość jego kariery była mieszanką portretów i martwej natury, w tym krajobrazów i „nature morte”.
Niektóre z jego dzieł miały bezpośredni wpływ na ruchy postimpresjonistyczne, w tym na ruch kubizmu, ale ogólnie rzecz biorąc, Cezanne był jednym z najbardziej rewolucyjnych artystów swoich czasów, który zmienił bieg rozwoju sztuki współczesnej. Wyznaczył ścieżki dla Vincenta Van Gogha, Picassa i Gaughina.
Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhol był ikonicznym amerykańskim artystą i czołową postacią ruchu Pop-art. Znany ze swojego odważnego i innowacyjnego podejścia do sztuki Warhol zacierał granice pomiędzy kulturą wysoką i popularną.
Twórczość Warhola rzucała wyzwanie konwencjonalnym pojęciom sztuki, obejmującym masową produkcję, konsumpcjonizm i fascynację sławą. Dzięki swojej wyjątkowej wizji artystycznej i zastosowaniu technik takich jak sitodruk Warhol przekształcił przedmioty codziennego użytku i osobowości w potężne symbole współczesnego społeczeństwa, pozostawiając niezatarty ślad w świecie sztuki.
Jego seria martwej natury, „32 puszki z zupą firmy Campbell”, to prawdopodobnie najbardziej słynne arcydzieło epoki nowożytnej. W tej pracy Warhol połączył klasyczne techniki, takie jak malarstwo i rysunek, z zaawansowanymi procesami.
Każdy z 32 wizerunków puszki z zupą został najpierw obrysowany na płótnie z pomocą projektora, następnie puszka i etykieta zostały ręcznie pomalowane, przed malowaniem wyświetlono także napis, a na koniec logo fleur-de-lys zostało odciśnięte przy użyciu gumki z recyklingu.
Dziś jego dzieła uznawane są za wspaniałe przykłady pop-artu i należą do najdroższych arcydzieł tego gatunku. Jedno z jego dzieł „Small Torn Campbell Soup Can” zostało sprzedane w 2006 roku za 11 776 0001 dolarów i była to najwyższa cena ze wszystkich serii zup Campbell.
Źródła
- Live Auction 1658 Post War and Contemporary Evening Sale, https://www.christies.com/en/lot/lot-4705676, [Dostęp 20.06.2024]
Lubisz ten artykuł? Oceń nas!
Loading...
