Sztuka związana z postacią człowieka to przedstawienie ludzi, mężczyzn i kobiet, dzieci i dorosłych. Każde dzieło sztuki przedstawiające ludzką sylwetkę można zaliczyć do tej kategorii.
Martwa natura reprezentuje prawie wszystko inne. Przedmioty, krajobrazy lub przedstawienia jedzenia można sklasyfikować jako sztukę martwej natury. Martwa natura od dawna skupia się głównie na przedmiotach codziennego użytku i produktach spożywczych, ale wraz z ewolucją sztuki ewoluowała także martwa natura.
Jednak umiejętności wymagane do malowania ludzi lub martwej natury okazały się z czasem bardzo podobne. Detale tekstur, kontrast i cieniowanie, wykorzystanie naturalnego światła i cienia oraz umiejętność rysowania kompozycyjnego potrzebne do skomponowania obrazu blatu z miską owoców są takie same, jak w przypadku malowania nagiej modelki na zajęciach z rysunku.
Dzisiaj martwą naturę można przedstawić za pomocą większości mediów, takich jak rysowanie, malowanie, rzeźbienie, fotografowanie lub wideo, sam robisz zdjęcia martwej natury za każdym razem, gdy fotografujesz krajobraz lub zachód słońca.
W tym artykule cofniemy się nieco w czasie, aby odkryć korzenie współczesnej martwej natury i jak przeszliśmy od impresjonizmu do surrealizmu i pop-artu.
Założenia współczesnej martwej natury: impresjonizm i postimpresjonizm
Po wzroście popularności martwej natury za sprawą holenderskich mistrzów malarstwa, uwaga artystów zwróciła się znów w stronę ludzkie sylwetki.
Pod koniec XVIII w., Akademia Francuska (Académie Française), niezwykle wpływowa wówczas instytucja artystyczna, oświadczyła, że ważniejsza jest tematyka obrazu niż zastosowana technika malarska i harmonia kolorów.
Postać ludzką uznano za najważniejszą i najtrudniejszą do przedstawienia, dlatego martwą naturę umieszczono na dole hierarchii tematycznej. Dopiero pod koniec XIX wieku ten punkt widzenia ustąpił impresjonizmowi.
Ruch ten narodził się w Paryżu w latach sześćdziesiątych XIX wieku pod wpływem jednej grupy złożonej z czterech młodych artystów: Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley i Frédéric Bazille. Wszyscy poznali się podczas studiów u tego samego mistrza malarza, ale postanowili pójść za wcześniejszymi wpływami malarzy takich jak Joseph Mallord William Turner lub Eugène Delacroix.
Ich styl stawiał swobodnie ruchy pędzlem ponad wyraźnie zarysowanymi konturami i linią, podkreślał grę naturalnego światła, odważnie malując cienie i zwracając szczególną uwagę na odbicie światła i kolorów od obiektu do obiektu.
Korzystali też z techniki mokre na mokre, zamiast czekać na wyschnięcie pierwszej warstwy farby, co skutkowało delikatniejszymi konturami i nakładaniem się kolorów.
Choć nie wymyślili żadnej ze stosowanych przez siebie technik malarskich czy rysunkowych, jako pierwsi zastosowali je wszystkie razem, nadając swoim pracom niepowtarzalny i oryginalny wygląd.
Postimpresjonizm, kierowany głównie przez Paula Cezanne’a, był przedłużeniem i kontynuacją ruchu impresjonizmu, ale odrzucił jego ograniczenia. Artyści postimpresjonistyczni, m.in. Vincent van Gogh lub Paul Gaughin, nadal używali żywych kolorów, grubych pociągnięć pędzla i rzeczywistych motywów, ale podkreślali formy geometryczne, często zniekształcając temat, dla wybranego przekazu i używania subiektywnych kolorów.
To właśnie z postimpresjonizmu wyłoniły się dwa inne ruchy malarskie: kubizm i fowizm.
Sztuka martwej natury, kiedy wszystko się zmieniło
Po I wojnie światowej świat czekały duże zmiany. Europa musiała zmierzyć się z okropnościami czteroletniej wojny okopowej, a żołnierze, którzy przeżyli okrucieństwa konfliktu, wrócili do domu, naznaczeni na całe życie, co stanowiło dla reszty społeczeństwa ciągłe przypomnienie, że wszystko się zmieniło.
W odpowiedzi na to wyłonił się antysystemowy ruch dada (dadaizm), krytykujący współczesne społeczeństwo kapitalistyczne i odrzucający dominujące wówczas w świecie sztuki podejście estetyczne i logiczne.
Chociaż ruch ten był krótkotrwały i trwał od około 1915 roku do połowy lat dwudziestych XX wieku, kiedy dadaizm zaczął powoli zanikać, odegrał kluczową rolę w pojawieniu się głównych stylów w sztuce, surrealizmu i pop-artu.
Surrealizm i eksploracja nieświadomości
Ruch surrealistyczny wyłonił się z dadaizmu na początku lat dwudziestych XX wieku. Oficjalnie powstał dopiero w 1924 roku, kiedy Andre Breton, przywódca ruchu i współzałożyciel magazynu surrealistycznego Littérature, opublikował swoją książkę pt. Manifest surrealizmu w 1924 r.
Dzieląc tę samą pogardę dla logiki i realizmu z ruchem Dada, na artystów surrealistów wpływała także psychoanalityczna twórczość Freuda, Junga i Nietzschego. Ich głównym celem było zwiększenie kreatywności poprzez odblokowanie nieświadomego umysłu.
Surrealizm jest destrukcyjny, ale niszczy tylko to, co uważa za kajdany ograniczające naszą wizję.
Salvador Dalí
Ponieważ każdy artysta w dużym stopniu polegał na własnych snach, aby znaleźć inspirację, często obserwowano powtarzające się motywy w ich pracach. Salvador Dali często umieszczał na swoich obrazach mrówki i jaja, a Max Ernst miał wyraźną skłonność do uwzględniania ptaków w swoich dziełach.
Artyści surrealistyczni, tacy jak Dali, często używali hiperrealizmu do bardzo szczegółowego przedstawiania obiektów i podkreślali ich trójwymiarowość, aby zanurzyć widza w scenach przypominających sen.
Wykorzystywano także inne techniki, takie jak kolaż, bazgroły, szkice czy rzeźby, ale każde dzieło surrealistyczne miało dziwaczny, czasem groteskowy aspekt, który miał niepokoić i zdumiewać publiczność.
Ekspresjonizm amerykański i abstrakcyjny
U progu II wojny światowej wielu artystów należących do nurtu surrealizmu zdecydowało się wyemigrować do Stanów Zjednoczonych, aby przetrwać rządy nazistowskich Niemiec. Ponieważ ruch surrealistyczny był powiązany z lewicowym skrzydłem politycznym rządów europejskich, większość artystów nie miała innego wyjścia, jak przepłynąć Atlantyk.
Po II wojnie światowej, kiedy Paryż i Francja uległy zniszczeniom, konwencja stolicy artystycznej przeniosła się do Nowego Jorku. Mimo że Stany Zjednoczone w dużej mierze przyczyniły się do zwycięstwa aliantów w 1945 r., terytoria amerykańskie nie poniosły prawie żadnych szkód.
Staram się stosować kolory jak słowa, które kształtują wiersze, jak nuty, które kształtują muzykę.
Joan Miró
Ekspresjonizm abstrakcyjny był pierwszym amerykańskim ruchem artystycznym, który zyskał światowe uznanie.
Świat sztuki Nowego Jorku, pod wpływem europejskich nauczycieli sztuki, takich jak Hans Hoffman i John D. Graham, połączył elementy kubizmu, fowizmu i surrealizmu i wpłynął na artystów, którzy wkrótce zyskali światową sławę, takich jak Jackson Pollock czy Lee Krasner.
Ruch pop-artu
Wraz z postępem technologii i pojawieniem się ruchu sztuki abstrakcyjnej, martwe natury podążały wieloma równoległymi drogami.
Na początku lat pięćdziesiątych XX w. ruch pop-artu2 na nowo zdefiniowałoby znaczenie sztuki martwej natury.
Artyści tacy jak Andy Warhol wykorzystywali odbitki na płótnie jako medium pomiędzy malarstwem a fotografią.
Jego seria martwej natury, „32 puszki z zupą firmy Campbell”, to prawdopodobnie najbardziej słynne arcydzieło epoki nowożytnej. W tej pracy Warhol połączył klasyczne techniki, takie jak malarstwo i rysunek, z zaawansowanymi procesami.
Każdy z 32 wizerunków puszki z zupą został najpierw obrysowany na płótnie z pomocą projektora, następnie puszka i etykieta zostały ręcznie pomalowane, przed malowaniem wyświetlono także napis, a na koniec logo fleur-de-lys zostało odciśnięte przy użyciu gumki z recyklingu.
Kiedy po raz pierwszy pokazał tę serię na indywidualnej wystawie w Los Angeles, wywołał on wielkie kontrowersje, niektórzy krytycy kwestionowali artystyczne motywy Warhola i zaprzeczali, że jego twórczość ma jakąkolwiek realną wartość artystyczną.
Dziś jego dzieła uznawane są za wspaniałe przykłady pop-artu i należą do najdroższych arcydzieł tego gatunku. Jedno z jego dzieł „Small Torn Campbell Soup Can” zostało sprzedane w 2006 roku za 11 776 000 dolarów i była to najwyższa cena ze wszystkich serii zup Campbell.
Składa się z trzydziestu dwóch płócien, każde o wymiarach 51 cm wysokości i 41 cm szerokości, a każde zawiera obraz przedstawiający puszkę zupy Campbell's - po jednym z każdego rodzaju zup w puszkach oferowanych wówczas przez firmę.
Chciałbym powiedzieć tym, którzy uważają moje obrazy za spokojne, czy to po przyjacielsku, czy w zwykłej obserwacji, że uwięziłem najbardziej skrajną przemoc w każdym calu ich powierzchni.
Mark Rothko
Niektórzy ze współczesnych artystów popchnęli martwą naturę o krok dalej w prezentowaniu ogromnych instalacji graficznych. Taka konfiguracja została stworzona przez feministyczną artystkę Judy Chicago w 1979 r. Arcydzieło pod tytułem The Dinner Party składało się z trójkątnego stołu o długości prawie 15 metrów z każdej strony. Na każdej stronie znajdowało się 13 nakryć, a każdy nakrycie składało się z ręcznie malowanego talerza porcelanowego, ceramicznych sztućców i kielicha oraz haftowanej złotem serwetki.
Ta masywna instalacja, która ukończenie zajęło ponad sześć lat i kosztowało ćwierć miliona dolarów powstało, aby uhonorować ważne kobiety w historii. Każde nakrycie było poświęcone innej kobiecie, a jej imię było wyhaftowane na obrusie. Każda strona stołu odpowiadała innemu okresowi historii.
Sztuka martwej natury przez długi czas była reprezentowana jedynie poprzez dwuwymiarowe dzieła sztuki, obrazy, rysunki i fotografię. Efektowna wizualnie, trójwymiarowa instalacja pozwoliła zanurzyć widza w martwą naturę i zaproponowała znacznie bardziej interaktywne podejście niż klasyczny rysunek martwej natury.
Dziś prawie każdy posiada smartfon, a fotki jedzenia zawładnęły całym Instagramem, ale większość ludzi nie zdaje sobie sprawy, że każdy soczysty burger, który sfotografują i wszystkie zdjęcia latte art, które publikują w mediach społecznościowych, dodają kolejne zdjęcie do kolekcji martwej natury naszej wspólnej kultury online.
Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej, przeczytaj nasz poprzedni artykuł na temat historii martwej natury.
Źródła
- I. Ranoszek-Bieńkowska, „Dada nie znaczy nic, czyli znaczy wszystko”, czyli rewolucja dadaistów w sztuce, https://niezlasztuka.net/o-sztuce/dada-nie-znaczy-nic-czyli-znaczy-wszystko-czyli-rewolucja-dadaistow-w-sztuce/, [Dostęp: 20.06.2024]
- B. Alleaume, 5 podstawowych dzieł pop-artu, https://www.artmajeur.com/pl/magazine/5-historia-sztuki/5-podstawowych-dziel-pop-artu/330296, [Dostęp: 20.06.2024]
Lubisz ten artykuł? Oceń nas!
Loading...
