Chociaż w Europie znajduje się wiele największych muzeów na świecie, nie należy zapominać o jednym z największych muzeów sztuki na świecie: Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

To ogromne muzeum na Manhattanie w Nowym Jorku jest domem dla ponad 2 milionó dzieł sztuki z całego świata. Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Auguste Renoir, Joseph Durand-Ruel, Jean-Frédéric Bazille, Manet, Berthe Morisot, Degas, Ingres, Delacroix i Warhol znajdują się w MET, niezwykłym muzeum sztuki w Stanach Zjednoczonych Ameryki.

W MET obecne są największe ruchy artystyczne: impresjonizm, realizm, autoportrety, ekspresjonizm, fowizm, naturalizm, puentylizm i symbolika.

W tym artykule przygotowaliśmy listę niektórych z najlepszych obrazów, które można zobaczyć w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Dostępni najlepsi nauczyciele z: Sztuki plastyczne
Veronika
5
5 (14 oceny)
Veronika
zł60
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Iga
5
5 (5 oceny)
Iga
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Julia
5
5 (9 oceny)
Julia
zł35
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Ma
5
5 (6 oceny)
Ma
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Szymon
5
5 (3 oceny)
Szymon
zł45
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Laura
5
5 (4 oceny)
Laura
zł25
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Olga
5
5 (3 oceny)
Olga
zł70
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Daria
Daria
zł40
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Veronika
5
5 (14 oceny)
Veronika
zł60
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Iga
5
5 (5 oceny)
Iga
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Julia
5
5 (9 oceny)
Julia
zł35
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Ma
5
5 (6 oceny)
Ma
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Szymon
5
5 (3 oceny)
Szymon
zł45
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Laura
5
5 (4 oceny)
Laura
zł25
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Olga
5
5 (3 oceny)
Olga
zł70
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Daria
Daria
zł40
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Zaczynajmy

Waszyngton przeprawia się przez rzekę Delaware - Emanuel Leutze

Emanuel Gottlieb Leutze jest malarzem niemieckiego pochodzenia, który specjalizował się w malowaniu wydarzeń historycznych, zwłaszcza amerykańskich relacji historycznych, w tym przybycia Krzysztofa Kolumba i amerykańskiej wojny o niepodległość.

Waszyngton przeprawia sie przez Delaware, lekcje malowania.
Waszyngton wiedział, jak zrobić dobre wejście. | źródło: Visualhunt - Adventure George

To ostatnie było motywem na obrazie Waszyngton przeprawia się przez rzekę Delaware z 1851 roku, obrazie olejnym na płótnie ukazującym wydarzenie, które miało miejsce w 1776 roku po niespodziewanym ataku Amerykanów na Brytyjczyków podczas bitwy pod Trenton.

Historia tego obrazu to studium fascynacji, między innymi dlatego, że nie został namalowany w USA.

Urodzony w Niemczech artysta powrócił do ojczyzny z pobytu w Ameryce, przepełniony pragnieniem:zachęcać do reform liberalnych w Europie na przykładzie Stanów Zjednoczonych.

Pomysł na dzieło zrodził się w 1848 roku, w okresie Wiosny Ludów, serii rewolucji, które wstrząsnęły Europą.

Jego pierwsze ukończone płótno zostało zniszczone przez pożar w jego pracowni. Udało mu się je odrestaurować, a następnie sprzedał obraz Muzeum sztuki w Bremie, Kunsthalle. Niestety ta wersja zaginęła na zawsze podczas bombardowań alianckich podczas II wojny światowej.

Na szczęście namalował inną wersję. To naturalnej wielkości płótno było częścią kilku prywatnych kolekcji sztuki przed zznalezieniem stałego domu w Met.

Podobnie jak wiele innych dzieł sztuki, to dzieło reprezentuje raczej artystyczną wizję niż fakt.

Podczas gdy historyczne zapiski pokazują, że generał Waszyngton przekroczył rzekę Delaware w noc Bożego Narodzenia, zrobił to prawie sto lat przed wykonaniem portretu wydarzenia – w rzeczywistości około 40 lat przed narodzinami pana Leutze.

Nie mamy pojęcia, czy Waszyngton stał z podpartą nogą,ani też co miał na sobie on i jego towarzysze, podczas przeprawy przez rzekę.

Aby to osiągnąć ten wyjątkowo amerykański wygląd, pan Leutze zatrudnił amerykańskich turystów, aby się dla niego wzorowali; inne modele obejmowały studentów sztuki z pobliskich akademii.

Opowieść o amerykańskim patriotyzmie, wyprodukowana w Niemczech!

Odkryj jedne z największych dzieł znajdujących się w Luwrze.

Śmierć Sokratesa - Jacques-Louis David

Szef ruchu neoklasycznego we Francji i ważny francuski malarz, to możesz już wiedzieć o artyście nazwiskiem Jacques-Louis David. Podczas gdy jego najbardziej znanym dziełem jest Koronacja Napoleona (którą można zobaczyć w Luwrze w Paryżu), Śmierć Sokratesa jest również jego słynnym dziełem.

Została namalowana w 1787 roku na potrzeby Salonu i przedstawia historyczne wydarzenie zmuszenia greckiego filozofa Sokratesa do wypicia trującej cykuty. Podstawą decyzji była korupcja młodości i wprowadzanie dziwnych bogów.

Pan David przeprowadził swoje badania wcześniej, szkicując i malując tę popularną scenę. Jednak historycy twierdzą, że obraz zawiera wiele nieścisłości, być może najbardziej rażącą z nich jest Apollodorus, widziany wsparty o ścianę wewnątrz łuku i płaczący.

Dialogi Platona szczególnie wspomina Sokratesa, który odesłał Apollodorusa, ponieważ zbyt jawnie rozpaczał.

Sam Platon jest na tym obrazie fałszywie przedstawiony. W chwili śmierci Sokratesa byłby młodym człowiekiem. Pokazuje się jednak, że jest znacznie starszy – łysy mężczyzna w białej szacie siedzący tak przygnębiony u stóp łóżka ma być najsłynniejszym uczniem Sokratesa.

Wiele znaków zawartych w opowiadaniach Platona zostało pominiętych w interpretacji Jacquesa-Louisa Davida i ci, którzy byli uwzględnieni, tacy jak Platon, zostali namalowani z hojną dramatyczną intencją.

Sam Sokrates jest pokazany jako szlachetny i mądry zamiast przedstawiony tak, jak go się opisuje: brzydki mężczyzna, często brudny i zaniedbany.

Śmierć Sokratesa została namalowana przez kilku innych artystów, takich jak:

  • Michel-François Dandré-Bardon w 1753 r.
  • Charles-Michel-Ange Challe w 1761 r.
  • Jacques-Philippe-Joseph de Saint-Quentin w 1762 r.
  • Jean-Baptiste Alizard w 1762 r.
  • Pierre Peyron w 1787 r.

To wspaniały obraz, który można zobaczyć w Metropolitan Museum of Art.

Możesz również dowiedzieć się więcej o dziełach w Musée d'Orsay.

Kobieta z papugą - Gustave Courbet

Kobieta z papugą została namalowana w 1866 r. przez artystę realistycznego Gustave'a Courbeta. Na obrazie widzimy nagą kobietę na białym prześcieradle trzymającą rękę w powietrzu z papugą na dłoni.

Jego pierwsze zgłoszenie malarskiego aktu w Salonie, dwa lata wcześniej, zostało odrzucone, ponieważ zostało uznane za nieprzyzwoite.

To drugie płótno, z modelką pozowaną i udrapowaną, aby uzyskać akceptację zgłoszenia, było jednak kontrowersyjne nie tylko ze względu na jej rozmyślnie porzucone ubranie ale mimo wszystko jej rozczochrane włosy.

Historycy sztuki i znawcy sztuki są zgodni, przynajmniej w większości, co do tego, że tak swobodnie leżącą modelką musi być Joanna Hiffernan, muza zarówno Courbeta, jak i amerykańskiego malarza Jamesa Whistlera.

Pani Hiffernan, która sama jest malarką, chociaż żadna z jej prac nigdy nie była pokazywana, była także jedną z modelek do innego erotycznego obrazu Courbeta zatytułowanego Śpiące (Le Sommeil), który również został namalowany w 1866 roku.

Obraz ten był tak zapalczywy, że nie pozwolono mu być pokazywanym publicznie aż do 1988 roku. W przeciwieństwie do innych, bardziej erotycznych prac, Kobieta z papugą jest uważana za przyzwoity.

Został zaprezentowany w Salonie w 1866 roku i był oceniony jako nieakademicki, za sprawą rozwartych nóg kobiety. Jednak Courbet nadal sprzeciwiał się tradycji i malował ludzi:

Piękno jest w naturze i można je spotkać w najróżniejszych formach rzeczywistości. Raz odnalezione należy do sztuki, albo raczej do artysty, który ją odkrywa. - Gustave Courbet

Ten obraz został dodany do kolekcji MET w 1929 roku przez Henry'ego Osborne'a Havemeyera, amerykańskiego kolekcjonera sztuki.

Zobacz różne kursy malarskie.

Japoński mostek, korepetycje z malowania.
Monet namalował mnóstwo obrazów swoich lilii wodnych. | źródło: Visualhunt - Gandalf's Gallery

Japoński mostek - Claude Monet

Claude Monet jest prawdopodobnie najsłynniejszym francuskim malarzem impresjonistą. Podczas gdy w XIX wieku malował takie obrazy, jak „Impresja, wschód słońca”, w XX wieku zaczął malować serię Lilie wodne, w tym „Japoński mostek” (1899 roku), który znajduje się obecnie w Met.

Czy wiesz, że impresjonistyczny ruch artystyczny ma swoją nazwę od Impresji wschodu słońca Moneta?

To arcydzieło ruchu impresjonistycznego było jednym z ponad 250 obrazów, jakie artysta namalował ze swojego ogrodu lilii wodnych. Przed liliami wodnymi artysta namalował serie takie jak Stogi siana, Katedra w Rouen i Dworzec Saint-Lazare.

Monet był tak płodny, że mógł wyprodukować ponad pięć ukończonych prac w ciągu jednego roku.

Być może jego rekordowa produkcja wynikało z tego, że często malował tę samą scenę, choć z niewielkimi różnicami w tonacji, odcieniu i nasyceniu.

Na przykład jego Japoński mostek wiszący w Met przedstawia ten sam most, uchwycony pod mniej więcej tym samym kątem, co dziewięć innych płócien, każdy o nieco innej nazwie.

Japoński mostek w Giverny na przykład wisi w Art Institute w Chicago .

Jeśli chodzi o malarzy impresjonistycznych, Claude Monet i Edouard Manet to ich najlepsze przykłady.

Prado w Madrycie jest także domem dla fantastycznych dzieł sztuki.

Dostępni najlepsi nauczyciele z: Sztuki plastyczne
Veronika
5
5 (14 oceny)
Veronika
zł60
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Iga
5
5 (5 oceny)
Iga
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Julia
5
5 (9 oceny)
Julia
zł35
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Ma
5
5 (6 oceny)
Ma
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Szymon
5
5 (3 oceny)
Szymon
zł45
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Laura
5
5 (4 oceny)
Laura
zł25
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Olga
5
5 (3 oceny)
Olga
zł70
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Daria
Daria
zł40
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Veronika
5
5 (14 oceny)
Veronika
zł60
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Iga
5
5 (5 oceny)
Iga
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Julia
5
5 (9 oceny)
Julia
zł35
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Ma
5
5 (6 oceny)
Ma
zł50
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Szymon
5
5 (3 oceny)
Szymon
zł45
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Laura
5
5 (4 oceny)
Laura
zł25
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Olga
5
5 (3 oceny)
Olga
zł70
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Daria
Daria
zł40
/h
Gift icon
1-sza lekcja za darmo!
Zaczynajmy

Portret Madame X - John Singer Sargent

Portret of Madame X to obraz amerykańskiego malarza Johna Singera Sargenta. Praca z 1884 roku przedstawia Amerykankę Virginie Gautreau, która wyjechała z Luizjany do Paryża, symbolu paryskiego społeczeństwa.

Pani Gautreau jest prawdopodobnie jednym z najwcześniejszych przykładów bycia sławnym z powodu bycia sławnym.

Czysta wyniosłość, którą Madame X pokazuje na tym portrecie, oburzyła paryskie społeczeństwo.

Żyjąc życiem skandalu pachnącego lawendą pani Gautreau zawsze wydzielała zapach tego kwiatu, bez względu na to, czy przebijała się przez paryskie towarzystwo, czy też prowadziła nielegalne romanse (niezupełnie) za plecami męża.

Portret Madame X, lekcje malowania.
Musiało jednak coś w niej być. | źródło: Visualhunt - rverc

Amerykański malarz Edward Simmons śledził ją po ulicach Paryża i według wszystkich relacji, mężczyźni uważali jej urok za nieodparty. Pan Sargent był pod podobnym wrażeniem, co skłoniło go do błagania znajomego:

Mam wielką ochotę namalować jej portret i mam powody, by sądzić, że na to pozwoli i czekam, aż ktoś zaproponuje ten hołd jej urodzie. Jeśli jesteś „bien avec elle” i zobaczysz ją w Paryżu, możesz jej powiedzieć, że jestem człowiekiem o niezwykłym talencie. - John Singer Sargent

Być może dlatego, że mimo wszystkich swoich romantycznych uwikłań czuła się samotna, zgodziła się, aby ten malarz, tak samo amerykański jak ona, uchwycić jej podobiznę na płótnie. A może było tak jak wielu spekuluje do dnia dzisiejszego: artysta i modelka oboje wspinali się po drabinie społecznej, pomagając sobie nawzajem dostać się wyżej.

Należy zauważyć, że pan Sargent nie namalował Madame X na zlecenie – nie dostał zapłaty. Jego pragnienie uwiecznienia jej uczyniło go tak odważnym w swojej prośbie.

Zgodnie z planem obraz został pokazany w Salonie, wywołując wielki skandal – nie tyle z powodu samej pracy, co z powodu reputacji Madame X.

Podobne oburzenie wywołała jej prawie półprzezroczysta skóra, jej dramatyczna figura i jej ogólny wygląd wyniosłości, ponieważ nie należała do klasy społecznej, któa pozwoliłaby jej na wyniosłość.

Jednak pan Sargent zebrał wiele rozgłosu, który zaowocował prowizjami za więcej portretów, tak jak planował.

Mimo to musiał coś czuć do pani Gautreau. Rok po jej śmierci w 1915 roku artysta w końcu zrezygnował z pracy nad dziełem, pisząc do dyrektora Met „Przypuszczam, że to najlepsza rzecz, jaką kiedykolwiek zrobiłem”.

Może jego sentymentem była miłość do własnej kreacji, zamiast do kobiety.

Manuel Osorio Manrique de Zúñiga - Francisco de Goya

Nie sposób nie podziwiać twórczości Francisco de Goi, jednego z najsłynniejszych hiszpańskich artystów.

Rozstrzelanie powstańców madryckich, Maja naga, Sabat czarownic to wszystkie najważniejsze obrazy XVIII i XIX wieku. Jednak Goya stworzył także intymne portrety, takie jak ten przedstawiający syna hrabiego Altamiry, który ukończył w 1787 roku.

Zamówienie portretu członków rodziny było normą dla bogatych patronów; rzeczywiście, ojciec chłopca zlecił panu Goyi namalowanie jego żony, nowo narodzonej córki i jeszcze jednego syna.

Dla Francisco Goi, portrety dzieci musiał być szczególnie przejmujące.

Urodzony w rodzinie, która znajdowała się ledwie ponad ubóstwem, zaczął szkolenie na malarza kiedy miał 14 lat Opuszczając dom, kontynuował edukację artystyczną w Madrycie, gdzie poznał również swoją żonę.

Ich życie zrujnowała tragedia. Mimo że małżonka szybko zachodziła w ciążę, wszystkie ciąże, z wyjątkiem jednej, kończyły się poronieniem.

Jednak to doświadczenie z utratą życia nie to skłoniło Goi do malowania mrocznych, ponurych scen; gdy miał 47 lat, zachorował na chorobę, która sprawiła, że ogłuchł.

Można sądzić, że pomimo udanej kariery artystycznej – został malarzem hiszpańskiego dworu królewskiego w 1799 roku, jego życie osobiste było tak nękane nieszczęściem, że w końcu ugiął się pod presją, malując pesymistyczne obrazy do końca swojej kariery.

To i fakt, że mały Manuel, dziecko przedstawione na tym obrazie, zmarło, gdy miał zaledwie osiem lat, czyni ten portret o wiele bardziej przejmującym.

Artysta wybrał ciekawy sposób namalowania dziecka;wciąż jako manekin w otoczeniu zwierząt, kolorów i ciekawego wykorzystania światła.

Może Goya odczuwał dreszczyk przepowiedni, że zamrozi Manuela w tej statycznej pozie.

Arystoteles z popiersiem Homera - Rembrandt

Rembrandta nie trzeba przedstawiać; ten holenderski mistrz baroku jest jednym z najznamienitszych malarzy na świecie.

Był tak znany, że Don Antonio Ruffo, sycylijski biznesmen, zlecił Rembrandtowi namalowanie mu obrazu. Don Ruffo był przekonany, że cokolwiek odda artysta, będzie arcydziełem więc nie określił, co obraz ma przedstawiać.

Odkryj różne zajęcia z malowania w okolicy tutaj na Superprof.

Arystoteles z popiersiem Homera, zajęcia z malowania.
Filozof myślący o filozofie. | źródło: Visualhunt - profzucker

W efekcie powstał ten obraz, na którym można zobaczyć Arystotelesa ubranego w XVII-wieczny strój i pozującego z popiersiem poety Homera.

Bo taka dowolność została przyznana artyście, interpretacja obrazu a tożsamość głównego tematu wywołała więcej niż trochę kontrowersji.

Człowiek, którego ręka spoczywa na głowie Homera uważano, że reprezentuje Torquato Tasso lub Ludovico Ariosto, obu włoskich poetów. Ta spekulacja doprowadziła niektórych do zobaczenia uznanie dla swojego poprzednika u współczesnego poety w twórczości Rembrandta.

Nawet teraz krytycy sztuki nie mogą się zgodzić co do tego, co ten obraz próbuje powiedzieć.

Jedna z teorii głosi, że ponieważ prawa (ulubiona) ręka spoczywa na popiersiu, podczas gdy lewa ręka spoczywa na wysadzanym klejnotami łańcuszku, przesłanie obrazu jest takie, że myśl jest warta więcej niż pieniądze.

Inna twierdzi, że przedmioty wokół postaci mają większe znaczenie niż sama postać i to, co robi.

Na przykład stos książek w tle ma na celu przywiązanie dużej wartości do twórczości literackiej.

Ten pomysł jest sprzeczny z najpowszechniej akceptowanym motywem, w którym filozofia wyprzedza poezję i sztukę w ogóle. Tak więc Arystoteles inspiruje się poetą. Aspekt polityczny reprezentuje portret Aleksandra Wielkiego na medalionie Arystotelesa.

Dzieło zostało nabyte przez MET w 1961 roku za skromną sumę 2,3 miliona dolarów.

Koncert - Michelangelo Merisi da Caravaggio

Muzycy czyli Koncert to olej na płótnie autorstwa włoskiego mistrza baroku Michelangelo Merisi da Caravaggia. Jako przyrodnik, realista i świetny użytkownik światłocienia, Caravaggio słynie z tego ogromnego dzieła.

Uważa się, że grający na lutni to Mario Minnity, towarzysz Caravaggia i artysta sam w sobie. Tematem innej pracy Caravaggia, Lutnista, bardzo przypomina lutniczkę na tym obrazie, co prowadzi wielu do przekonania, że ta sama osoba pozowała do obu prac.

Możliwe, że osoba w tle to Caravaggio, co czyni dzieło jednym z pierwszych autoportretów artysty.

Całe światło i przejrzystość tej pracy – w przeciwieństwie do dramatycznego kontrastu jej światłocienia, obecności Kupidyna (sięgającego po winogrona) w tle i rękopisów ukazujących muzyków ćwiczących madrygały, w tym obrazie nie ma zbyt wiele szczęścia.

Oczy lutnistki są załzawione, co może wskazywać, że śpiewana przez nich piosenka mówi o bolesnej stronie miłości. Żaden z muzyków się nie wydaje się szczęśliwy lub optymistyczny; rzeczywiście, wygląda na to, że śpiewają raczej pieśni żałobne niż pieśni miłosne.

Renowacje w pewnym stopniu uszkodziły to płótno. Niemniej jednak jest okrzyknięty jednym z najlepszych obrazów Caravaggia.

Temat mitologii i Bachusa jest obecny w twórczości Caravaggia oraz w utworach, które można znaleźć w Nowym Jorku, Francji, Włoszech, Anglii i Hiszpanii.

Kobieta z dzbanem - Johannes Vermeer

Vermeer, holenderski malarz barokowy, jest najbardziej znany ze swoich dzieł, takich jak Mleczarka czy Dziewczyna z perłą. Vermeer, podobnie jak Rembrandt, jest uważany za mistrza holenderskiego Złotego Wieku.

Vermeer jest mistrzem baroku.

Obraz Kobieta z dzbanem, namalowany w 1658 r., przedstawia młodą kobietę z klasy robotniczej, trzymającą w jednej ręce dzbanek, a drugą otwierającą okno.

Ten obraz należy do grupy, którą Vermeer wykonał od początku do połowy lat 60. XVI wieku.

Niezwykły w swej przejrzystości i szczegółowości, doskonale sprawdza się w przypadku tych, którzy wierzą, że Vermeer użył camera obscura, aby uzyskać taki fotorealizm w swoich obrazach.

Jest to znane jako Teza Hockneya-Falco, który twierdzi, że nie tylko Vermeer, ale kilku innych malarzy renesansowych i barokowych używało pewnego rodzaju optyki do oddawania tak wyraźnych obrazów na płótnie.

Co więcej, historycy sztuki zauważają, że wiele obrazów Vermeera jest namalowanych na tym samym tle, prawdopodobnie w tym samym pomieszczeniu, co uwiarygodnia teorię, że kamera otworkowa musiała być skonfigurowana.

Istnieje poważny spór wokół idei, że Vermeer używał dowolnego rodzaju soczewki lub urządzenia do ogniskowania w realizacji swoich obrazów pomimo wielu artystycznych szlifów – sposób padania cieni i poziom szczegółowości tak drobnych elementów jak ornamenty czy pojedyncze loki na głowie byłyby prawie niemożliwe do oddania, gdyby były widziane tylko gołym okiem.

Tim Jenison postanowił udowodnić tę teorię, odtwarzając niektóre z bardziej znanych dzieł Vermeera przy użyciu różnych sztuczek optycznych, takich jak kamera lucida i lustro wklęsłe.

Jego wyniki możecie zobaczyć w filmie dokumentalnym Tim's Vermeer.

Podobnie jak w innych pracach, Vermeer namalował zaabsorbowaną kobietę, kontrastując wolność na zewnątrz z tradycyjnymi regułami wewnątrz.

Jesienny rytm (numer 30) - Jackson Pollock

Jesienny rytm (numer 30) to emaliowana farba na płótnie Jacksona Pollocka, amerykańskiego malarza abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Ten wpływowy współczesny artysta stworzył ponad 700 prac!

Jesienny rytm numer 30, nauka malowania.
Dzieła Pollocka są pełne pasji. | źródło: Visualhunt - Thomas Hawk

Oto niektóre z jego innych wspaniałych dzieł:

  • Bez tytułu (Nagi mężczyzna z nożem), 1938-1940
  • Mural, 1943
  • Numer 5, 1948
  • Jeden: Numer 31, 1950
  • Numer 1 (Lawendowa mgła), 1950
  • Niebieskie Słupy: Numer 11, 1952
  • Konwergencja, 1952
  • Głębina, 1953
  • Białe światło, 1954

Zanim stworzył tę pracę, Jackson Pollock znajdował się już w zaawansowanym alkoholizmie. Gwałtowne ataki były normą dla tego temperamentnego artysty; rzeczywiście, niektórzy twierdzą, że atakował swoje płótna zamiast je malować.

Jego styl był całkowicie fizyczny. Podczas gdy większość malarzy stoi spokojnie przed sztalugą z paletą w dłoni i wymierza pociągnięcia pędzlem z godną podziwu oszczędnością, Pollock tańczył wokół swoich płócien w szaleńczym pokazie, prawie tak, jakby potrzeba tworzenia całkowicie go opanowała i wyrwała się z każdej komórki jego ciała.

Jego udręczona dusza pasowała do jego męczenniczego wykonania, a pozorny spokój pozostawiony na tych wielkich, nieoczyszczonych płótnach można uznać za spokój po burzy.

Podczas gdy jego technika jest często w centrum uwagi, Jesienny rytm wydaje się wyrażać złość. Być może dlatego, że pan Pollock był szczególnie szalony, kiedy go malował, zaledwie sześć lat przed śmiercią w wypadku samochodowym.

Mogliśmy wspomnieć o innych artystach wystawianych w MET, takich jak Gauguin, Kandinsky, Caillebotte, Sisley, Corot, Géricault, Seurat, a nawet Watteau.

Chciałbyś odwiedzić Metropolitan Museum of Art?

Jeśli nie możesz, nie zapomnij, że możesz zobaczyć impresjonistyczne obrazy online lub odwiedź muzea bliżej domu.

Superprof może pomóc Ci pogłębić zrozumienie historii sztuki lub konkretnego ruchu artystycznego z prywatnym nauczycielem! Niezależnie od tego, czy chcesz dowiedzieć się więcej o rzeźbie, sztuce impresjonistycznej, malarstwie plenerowym czy sztuce współczesnej, możesz skorzystać z pomocy prywatnego nauczyciela.

Istnieją trzy różne rodzaje prywatnych lekcji, jakie oferują nauczyciele na Superprof: korepetycje twarzą w twarz, lekcje online i zajęcia grupowe.

Korepetycje twarzą w twarz odbywają się z korepetytorem i jednym uczniem i są najskuteczniejsze z całej trójki, ponieważ Twój korepetytor poświęci Ci cały swój czas.

Lekcje online odbywać się będą za pośrednictwem kamery internetowej za pomocą programów takich jak Skype. Bez kosztów podróży korepetytorzy mogą pobierać mniej za godzinę niż zwykle w przypadku indywidualnych korepetycji.

Zajęcia grupowe są bardziej jak tradycyjne zajęcia ze sztuki. Jednak zawsze można zebrać grupę przyjaciół i razem nauczyć się malować. Zwykle są to najtańsze w przeliczeniu na godzinę, ponieważ studenci dzielą się kosztem czasu nauczyciela.

Jaki rodzaj zajęć wybierzesz?

>

Platforma, która łączy prywatnych nauczycieli i uczniów

1-sza lekcje za darmo

Lubisz ten artykuł? Oceń nas!

5,00 (1 ocen(y))
Loading...

Marta

Pozytywnie zakręcona idealistka. Straszna psiara i wielbicielka gier planszowych. Fascynatka lingwistyki, kreatywnego myślenia i samorozwoju.