Gitara od dziesięcioleci króluje wśród instrumentów muzycznych – zarówno w wersji elektrycznej, jak i klasycznej. Choć jej popularność wynika z uniwersalności, łatwości nauki i wyraźnej obecności w kulturze masowej, warto pamiętać, że istnieje wiele innych chordofonów o równie bogatym brzmieniu i możliwościach.
W tym artykule przyjrzymy się pięciu alternatywom dla gitary: banjo, lutni, mandolinie, cytrze i ukulele. Każda z nich ma unikalną historię, charakterystyczne brzmienie i specyficzną technikę gry – a wszystkie należą do grupy instrumentów strunowych szarpanych (z pominięciem smyczkowych, takich jak skrzypce, czy klawiszowych, jak klawesyn).
Naucz się grać na lutni
Słowo „lutnia” może sugerować jeden konkretny instrument, ale w rzeczywistości oznacza całą rodzinę chordofonów szyjkowych o charakterystycznym, gruszkowatym korpusie.
Termin ten obejmuje zarówno historyczne instrumenty europejskie, jak i ich współczesne odmiany: od renesansowych lutni barokowych po współczesne instrumenty inspirowane tradycją.
W dzisiejszych czasach lutnia jest powszechnie uważana za instrument raczej historyczny. Jednak w ciągu ostatniego stulecia ponownie wzbudziła zainteresowanie muzyków klasycznych i miłośników melodii ludowych. I słusznie – ponieważ ma unikalne brzmienie, którego każdy powinien posłuchać.
Krótka historia lutni
Rodzina lutni ma historię sięgającą około 6000 lat wstecz, z pierwszymi wzmiankami pochodzącymi ze starożytnej Mezopotamii. Instrumenty pokrewne lutni rozprzestrzeniły się następnie na Chiny, Indie i Europę, stając się protoplastą większości współczesnych chordofonów szarpanych.
Złoty wiek lutni przypadł na XVI i XVII wiek, kiedy tworzyli tacy kompozytorzy jak:
- John Dowland (1563–1626) – angielski kompozytor i lutnista, autor słynnych „Lachrimae” i pieśni z towarzyszeniem lutni.
- Silvius Leopold Weiss (1687–1750) – niemiecki wirtuoz lutni, kompozytor ponad 1000 utworów.
- Francesco Canova da Milano (1497–1543) – włoski kompozytor, którego fantazje i ricercary należą do kanonu literatury lutniowej.
Po XVIII wieku lutnia została w większości wyparta przez instrumenty klawiszowe (fortepian, klawesyn) oraz smyczkowe (skrzypce), ale w XX wieku wróciła do łask dzięki ruchowi wykonawstwa historycznego. Może i Ty zechcesz nauczyć się grać na lutni?
Kilku lutnistów, których warto znać
Których lutnistów warto więc znać? Oto dwóch z nich.
Julian Bream (1933–2020) – angielski gitarzysta i lutnista, który przyczynił się do współczesnego renesansu lutni w muzyce klasycznej. Jego nagrania dzieł Dowlanda, Bacha i Weissa należą do kanonu interpretacji lutniowych.
Joachim Held (ur. 1963) – niemiecki profesor muzyki i wirtuoz lutni, laureat licznych nagród za nagrania dzieł renesansowych i barokowych. Jego interpretacje charakteryzują się precyzją techniczną i głębokim zrozumieniem stylu historycznego.
Pierwsze kroki z mandoliną
Mandolina to bliska krewna lutni – oba instrumenty należą do tej samej rodziny chordofonów szyjkowych, ale różnią się konstrukcją, brzmieniem i zastosowaniem. Jeśli lutnia kojarzy Ci się z muzyką dawną, mandolina zabierze Cię w podróż przez włoski folk, bluegrass, muzykę klasyczną i współczesne eksperymenty.
Czym mandolina różni się od lutni?
- Rozmiar i konstrukcja – jest mniejsza od lutni, ma płaski lub lekko wygięty blat i (w zależności od typu) płaski lub zaokrąglony tył.
- Progi i struny – zawsze ma progi i stalowe struny (zazwyczaj 4 pary strojone kwintami: G–D–A–E), co ułatwia wydobycie czystego dźwięku nawet początkującym.
- Rodzina – podczas gdy „lutnia" to cała rodzina instrumentów, mandolina jest konkretnym typem instrumentu z własnymi odmianami (neapolitańska, mediolańska, rzymska, portugalska).
Krótka historia mandoliny
Mandolina, jaką znamy dzisiaj, powstała w Neapolu w XVIII w. (lata 40. XVIII w.), głównie dzięki pracy rodziny lutniczej Vinaccia, która udoskonaliła jej konstrukcję, wprowadzając metalowe struny i technikę tremolo. Jej bezpośrednią poprzedniczką była renesansowa mandola (mandolino) o 4–6 pojedynczych strunach, która z czasem ewoluowała w mandolinę neapolitańską z 4 parami strun.
Kluczowe momenty w historii mandoliny:
Dowiedz się więcej o podstawach gry na mandolienie.
Niesamowici muzycy grający na mandolinie
Chcesz usłyszeć, na co stać mandolinę? Oto kilku artystów, którzy wyznaczyli nowe standardy w grze na tym instrumencie:
Chris Thile (ur. 1981)
Amerykański wirtuoz mandoliny, wielokrotny laureat nagrody Grammy, który przekracza granice gatunków – od bluegrassu przez jazz po muzykę klasyczną i pop. Jego współpraca z zespołem Punch Brothers i nagrania solowe (m.in. album „Bach: Sonatas & Partitas, Vol. 1") pokazują, jak wszechstronna jest mandolina.
Bill Monroe (1911–1996)
Ojciec bluegrassu, który wraz z zespołem Blue Grass Boys jako pierwszy pokazał pełen potencjał mandoliny publiczności amerykańskiej. Jego technika tremolo i rytmiczna gra stały się wzorem dla pokoleń mandolinistów bluegrassowych.
Spróbuj zagrać na cytarze renesansowej
O ile mandolina jest wynalazkiem typowo włoskim, o tyle pochodzenie cytary renesansowej (cittern) jest nieco mniej jednoznaczne. Wywodzi się ona z terenów Włoch, Francji i Anglii, a jej korzenie sięgają średniowiecznych instrumentów szarpanych, takich jak citole czy cister. Cytara renesansowa należy do tej samej rodziny chordofonów co mandolina, ale różni się od niej konstrukcją, liczbą strun i techniką gry.
Czym cytara renesansowa różni się od mandoliny?
- Liczba strun – podczas gdy mandolina ma dokładnie 4 pary strun (8 sztuk), cytara renesansowa może mieć od 4 do 7 par (8–14 sztuk), w zależności od modelu i epoki.
- Konstrukcja – obydwie mają metalowe struny i wydrążony korpus, ale cytara renesansowa charakteryzuje się płaską tylną płytą i korpusem w kształcie gruszki lub prostokąta, co czyniło ją znacznie tańszą i łatwiejszą w produkcji.
- Strojenie – cytara renesansowa wykorzystuje różne strojenia otwarte (np. CGDAD, DGDAD, BGDE), co oznacza, że struny nie są strojone linearnie jak w gitarze, lecz w specyficznej konfiguracji ułatwiającej grę akordów odpowiednich do tańca.
- Technika gry – na cytarze renesansowej gra się, trzymając ją na kolanach lub na pasku (jak gitarę), szarpiąc struny palcami lub kostką. W przeciwieństwie do cytry alpejskiej, nie kładzie się jej na stole – struny ułożone w parach (chórach) wymagały jednoczesnego przyciskania i szarpania.
Krótka historia cytary renesansowej
Cytara renesansowa, jaką znamy dzisiaj, wyewoluowała ze średniowiecznego instrumentu zwanego citole lub cister, który był popularny wśród muzykantów na terenach włoskich, francuskich i angielskich od XIII do XV wieku.
Pierwsze wzmianki o cytarze (cittern) pojawiają się około XV w. - była związana głównie z renesansową muzyką dworską i mieszczańską.
Kluczowe momenty w historii cytary:
Cytrzyści, których warto znać
Chociaż cytara renesansowa nie ma tak wielu sławnych wykonawców jak gitara, warto posłuchać kilku utalentowanych artystów, którzy pokazują jej potencjał:
Ale Carr
Szwedzki wirtuoz cytry nordyckiej (spokrewnionej z cytarą renesansową), członek zespołu Dreamers' Circus, który łączy tradycyjną muzykę skandynawską z nowoczesnymi aranżacjami. Jego gra charakteryzuje się precyzją techniczną i rytmicznym, perkusyjnym podejściem do gry na cytarze (cittern).
Gregory Doc Rossi
Amerykański ekspert w dziedzinie historii cytary renesansowej i znakomity wykonawca, który propaguje grę na cytarze w muzyce dawnej. Założył Cittern Society – organizację promującą naukę i badania nad cytarą renesansową, a jego nagrania pokazują wszechstronność tego instrumentu w repertuarze renesansowym i barokowym.
Posłuchanie tych artystów pomoże Ci zrozumieć możliwości brzmieniowe cytary renesansowej i zainspiruje do własnej nauki.
Naucz się grać na banjo
Banjo ma zupełnie inną historię i brzmienie niż lutnia czy cytara – jego charakterystyczny, perkusyjny dźwięk zdefiniował brzmienie bluegrassu, country oraz współczesnego folk-popu. Okrągły korpus z membraną (dawniej ze skóry, dziś z tworzywa) i długa szyjka z progami sprawiają, że brzmi jasno, głośno i rytmicznie, co czyni je idealnym zarówno do solowej gry, jak i do akompaniamentu.
Czym banjo różni się od innych instrumentów strunowych?
- Konstrukcja – ma okrągły korpus z naciągniętą membraną (tzw. head), która działa jak rezonator, wzmacniając dźwięk.
- Liczba strun – najpopularniejszy model 5-strunowy (bluegrass) ma cztery długie struny i jedną krótką „strunę basową" (drone string), która jest strojona wyżej i służy do akcentowania rytmu.
- Technika gry – w bluegrassie dominuje styl Scruggsa (three-finger style), w którym kciuk, palec wskazujący i środkowy grają szybkie, synkopowane sekwencje nut (tzw. rolls).
- Brzmienie – jasne, perkusyjne, z charakterystycznym atakiem i szybkim wybrzmiewaniem, idealne do melodii rytmicznych i tanecznych.
Jeśli szukasz instrumentu o rytmicznym, energetycznym brzmieniu i bogatej historii, to może być świetny wybór.
Inna ścieżka rozwoju
Ten instrument nie powstał w Europie. Jego korzenie sięgają Afryki Zachodniej i Karaibów, gdzie afrykańscy niewolnicy tworzyli prymitywne instrumenty z naciągniętej na drewnianą ramę zwierzęcej skóry, które pełniły rolę rezonatora dla strun. Nazywane również banza lub akonting, towarzyszyły muzykowaniu i tańcom w społecznościach niewolniczych na Karaibach i w Ameryce Północnej już w XVII wieku.
Kluczowe momenty w historii:
Największe gwiazdy banjo
Oto kilku artystów, którzy wyznaczyli nowe standardy w grze na tym instrumencie:
Earl Scruggs (1924–2012)
Amerykański wirtuoz, który zrewolucjonizował grę na tym instrumencie, wprowadzając styl three-finger (Scruggs style). Jego gra z zespołem Bill Monroe's Blue Grass Boys (od 1945 roku) i własnym Foggy Mountain Boys zdefiniowała brzmienie bluegrassu. Jego kompozycja „Foggy Mountain Breakdown" (1949) stała się jednym z najbardziej rozpoznawalnych utworów w historii tego instrumentu.
Béla Fleck (ur. 1958)
Amerykański muzyk, założyciel zespołu Béla Fleck and the Flecktones (1988), który łączy bluegrass z jazzem, rockiem, muzyką klasyczną i world music. Jego styl charakteryzuje się improwizacją, techniczną wirtuozerią i eksperymentowaniem z brzmieniem. Fleck zdobył 15 nagród Grammy w różnych kategoriach (bluegrass, country, classical, world music), co czyni go jednym z najbardziej utytułowanych muzyków w historii.
Ćwicz grę na ukulele
Ukulele często bywa niesprawiedliwie postrzegane jako łatwa w grze, mała gitara – nic bardziej mylnego! Ten niewielki, czterostrunowy instrument ma bogatą tradycję, unikalne brzmienie i wymaga naprawdę dużo techniki i wrażliwości muzycznej.
Czym ukulele różni się od gitary?
- Rozmiar i liczba strun – ma 4 struny nylonowe (zamiast 6 stalowych w gitarze) i znacznie mniejszy korpus, co czyni je poręcznym i łatwym w transporcie.
- Strojenie – standardowe strojenie (G–C–E–A) jest inne niż w gitarze, a najwyższa struna (G) jest często strojona wyżej niż kolejne (tzw. re-entrant tuning), co nadaje mu charakterystyczne, jasne brzmienie.
- Brzmienie – brzmi ciepło, miękko i perkusyjnie, idealnie nadając się do melodii hawajskich, folku, popu i indie.
- Technika gry – choć podstawy są podobne do gitary, wymaga ono specyficznej techniki palcowania i rytmiki, szczególnie w stylu hawajskim.
Historia ukulele
Choć na zawsze kojarzone z Hawajami, ma swoje korzenie w Portugalii, a konkretnie na wyspie Madera, skąd portugalscy imigranci przywieźli na Hawaje małe instrumenty strunowe zwane machete (lub braguinha) i rajão.
Kluczowe momenty:
Dowiedz się więcej o instrumencie i technikach gry w artykule o instrumencie ukulele.
W języku hawajskim oznacza ona „skaczącą pchłę" (ʻuku = pchła, lele = skakać), co nawiązuje do szybkiego ruchu palców muzyka po strunach podczas gry.
Legendy ukulele
Poznaj bliżej dwóch artystów, którzy wyznaczyli nowe standardy w grze na tym instrumencie:
Israel Kamakawiwoʻole (1959–1997)
Hawajski muzyk, piosenkarz i aktywista, znany jako Iz lub Bruddah Iz, który przywrócił popularność ukulele w latach 90. po dziesięcioleciach zapomnienia. Urodził się 20 maja 1959 w Honolulu, a zmarł 26 czerwca 1997 w wieku 38 lat. Jego album „Facing Future" (1993) zawiera słynną mieszankę „Somewhere Over the Rainbow / What a Wonderful World", która stała się jednym z najbardziej rozpoznawalnych utworów na ten instrument w historii i została użyta w wielu filmach (m.in. „50 pierwszych randek", „Wszyscy kochają Raya"). Iz był również aktywistą na rzecz suwerenności Hawajów i propagatorem tradycyjnej muzyki hawajskiej.
Jake Shimabukuro (ur. 1976)
Amerykański wirtuoz, który stał się sensacją na YouTube dzięki swojemu nagraniu „While My Guitar Gently Weeps" (2006), które w ciągu kilku dni obejrzało ponad 4 miliony osób. Urodzony w 1976 roku na Hawajach, Jake zaczął grać w wieku 4 lat pod wpływem matki. Jego styl łączy tradycyjną muzykę hawajską z jazzem, rockiem, blues i muzyką klasyczną. Shimabukuro współpracował z takimi artystami jak Jimmy Buffett, Béla Fleck i Yo-Yo Ma, a jego nagrania i występy na całym świecie udowadniają, że jest to instrument o nieograniczonych możliwościach.
Podsumuj za pomocą AI
Czy podobał Ci się artykuł? Oceń nas!
Loading...
